Descubre la vida y obra de Paul Klee, artista suizo del siglo XX que exploró nuevas formas de expresión a través de sus coloridas y abstractas pinturas. Conoce su legado artístico y su influencia en la historia del arte.
Paul Klee
Paul Klee (alemán: [paʊ̯l ˈkleː]; del 18 de diciembre de 1879 al 29 de junio de 1940) fue un artista alemán suizo. Su estilo altamente individual fue influenciado por movimientos en el arte que incluían el expresionismo, el cubismo y el surrealismo. Klee era un dibujante natural que experimentó y, finalmente, exploró profundamente la teoría del color, y escribió sobre ella extensamente; Sus conferencias Escritos sobre la teoría de la forma y el diseño (Schriften zur Form und Gestaltungslehre), publicados en inglés como los Cuadernos de Paul Klee, se consideran tan importantes para el arte moderno como A Treatise on Painting for the Renaissance de Leonardo da Vinci. Él y su colega, el pintor ruso Wassily Kandinsky, enseñaron en la escuela de arte, diseño y arquitectura Bauhaus. Sus obras reflejan su humor seco y su perspectiva a veces infantil, sus estados de ánimo y creencias personales y su musicalidad.
Vida temprana y entrenamiento
Paul Klee nació en Münchenbuchsee, Suiza, como el segundo hijo del maestro de música alemán Hans Wilhelm Klee (1849–1940) y la cantante suiza Ida Marie Klee, née Frick (1855–1921). Su hermana Mathilde (fallecida el 6 de diciembre de 1953) nació el 28 de enero de 1876 en Walzenhausen. Su padre vino de Tann y estudió canto, piano, órgano y violín en el Conservatorio de Stuttgart, donde conoció a su futura esposa, Ida Frick. Hans Wilhelm Klee estuvo activo como profesor de música en el Seminario Estatal de Berna en Hofwil, cerca de Berna, hasta 1931. Klee pudo desarrollar sus habilidades musicales mientras sus padres lo alentaban e inspiraban durante toda su vida. En 1880, su familia se mudó a Berna, donde finalmente, en 1897, luego de varios cambios de residencia, se mudaron a su propia casa en el distrito de Kirchenfeld. De 1886 a 1890, Klee visitó la escuela primaria y recibió, a la edad de 7 años, clases de violín en la Escuela Municipal de Música. Tenía tanto talento para el violín que, a los 11 años, recibió una invitación para tocar como miembro extraordinario de la Asociación de Música de Berna.
En sus primeros años, siguiendo los deseos de sus padres, Klee se centró en convertirse en músico; pero se decidió por las artes visuales durante su adolescencia, en parte por rebelión y en parte por la creencia de que la música moderna carecía de significado para él. Afirmó: «No me pareció particularmente atractiva la idea de entrar en la música de manera creativa en vista del declive en la historia de los logros musicales». Como músico, tocó y se sintió vinculado emocionalmente a las obras tradicionales del siglo XVIII y XIX, pero como artista ansió la libertad de explorar ideas y estilos radicales. A los dieciséis años, los dibujos del paisaje de Klee ya muestran una habilidad considerable.
Alrededor de 1897, Klee comenzó su diario, que conservó hasta 1918, y que ha proporcionado a los académicos una valiosa visión de su vida y pensamiento. Durante sus años escolares, dibujó con avidez en sus libros escolares, en particular dibujando caricaturas, y ya demostrando habilidad con la línea y el volumen. Apenas pasó sus exámenes finales en el «Gymnasium» de Berna, donde se graduó en Humanidades. Con su ingenio seco característico, escribió: «Después de todo, es bastante difícil alcanzar el mínimo exacto y conlleva riesgos». En su tiempo, además de sus profundos intereses en la música y el arte, Klee fue un gran lector de literatura y, más tarde, un escritor de teoría y estética del arte.
Con el permiso renuente de sus padres, en 1898 Klee comenzó a estudiar arte en la Academia de Bellas Artes de Munich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. Se destacó en el dibujo, pero parecía carecer de cualquier sentido de color natural. Más tarde recordó: «Durante el tercer invierno incluso me di cuenta de que probablemente nunca aprendería a pintar». Durante estos tiempos de aventuras juveniles, Klee pasaba mucho tiempo en pubs y tenía relaciones con mujeres de clase baja y modelos de artistas. Tuvo un hijo ilegítimo en 1900 que murió varias semanas después del nacimiento.
Después de obtener su título de Bellas Artes, Klee fue a Italia desde octubre de 1901 hasta mayo de 1902 con su amigo Hermann Haller. Se quedaron en Roma, Florencia y Nápoles, y estudiaron a los maestros pintores de los siglos pasados. Exclamó: «El Foro y el Vaticano me han hablado. El humanismo quiere ahogarme». Respondió a los colores de Italia, pero observó tristemente que «para mí hay una larga lucha en este campo del color». Para Klee, el color representaba el optimismo y la nobleza en el arte, y una esperanza de alivio de la naturaleza pesimista que expresaba en sus grotescos y sátiras en blanco y negro. Al regresar a Berna, vivió con sus padres durante varios años y tomó clases de arte ocasionales. Para 1905, estaba desarrollando algunas técnicas experimentales, como dibujar con una aguja en un panel de vidrio ennegrecido, lo que dio lugar a cincuenta y siete obras, incluido su Retrato de mi padre (1906). En los años 1903-5 también completó un ciclo de once grabados en placa de zinc llamados Invenciones, sus primeras obras expuestas, en las que ilustró varios personajes grotescos. Comentó: «aunque estoy bastante satisfecho con mis grabados, no puedo seguir así. No soy un especialista». Klee aún estaba dividiendo su tiempo con la música, tocando el violín en una orquesta y escribiendo conciertos y críticas de teatro.
Matrimonio
Klee se casó con la pianista bávara Lily Stumpf en 1906 y tuvieron un hijo llamado Félix Paul el año siguiente. Vivían en un suburbio de Munich, y mientras ella daba clases de piano y actuaciones ocasionales, él se quedó en casa y atendió sus obras de arte. Su intento de ser ilustrador de una revista fracasó. El trabajo artístico de Klee progresó lentamente durante los siguientes cinco años, en parte por tener que dividir su tiempo con asuntos domésticos, y en parte mientras trataba de encontrar un nuevo enfoque para su arte. En 1910, tuvo su primera exposición individual en Berna, que luego viajó a tres ciudades suizas.
Afiliación al «Blaue Reiter», 1911.
En enero de 1911, Alfred Kubin conoció a Klee en Munich y lo alentó a ilustrar el Candide de Voltaire. Sus dibujos resultantes se publicaron más tarde en una versión de 1920 del libro editado por Kurt Wolff. Alrededor de este tiempo, el trabajo gráfico de Klee aumentó. Su inclinación inicial hacia lo absurdo y lo sarcástico fue bien recibida por Kubin, quien se hizo amigo de Klee y se convirtió en uno de sus primeros coleccionistas importantes. Klee conoció, a través de Kubin, al crítico de arte Wilhelm Hausenstein en 1911. Klee fue miembro fundador y gerente del sindicato de artistas de Munich Sema ese verano. En otoño conoció a August Macke y Wassily Kandinsky, y en invierno se unió al equipo editorial del almanaque Der Blaue Reiter, fundado por Franz Marc y Kandinsky. Al reunirse con Kandinsky, Klee anotó: «Llegué a sentir una profunda confianza en él. Él es alguien y tiene una mente excepcionalmente bella y lúcida». Otros miembros incluyen a Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Klee se convirtió en pocos meses en uno de los miembros más importantes e independientes de Blaue Reiter, pero aún no estaba completamente integrado.
El lanzamiento del almanaque se retrasó en beneficio de una exposición. La primera exposición de Blaue Reiter tuvo lugar del 18 de diciembre de 1911 al 1 de enero de 1912 en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser de Múnich. Klee no asistió, pero en la segunda exposición, que tuvo lugar del 12 de febrero al 18 de marzo de 1912 en la Galerie Goltz, se mostraron 17 de sus obras gráficas. El nombre de esta exposición de arte fue Schwarz-Weiß, ya que solo consideraba la pintura gráfica. Inicialmente previsto para ser lanzado en 1911, la fecha de lanzamiento del almanaque Der Blau Reiter por Kandinsky y Marc se retrasó en mayo de 1912, incluido el dibujo en tinta reproducido Steinhauer por Klee. Al mismo tiempo, Kandinsky publicó su historia del arte escribiendo Über das Geistige in der Kunst.
Participación en exposiciones de arte, 1912/1913.
La asociación abrió la mente de Klee a las modernas teorías del color. Sus viajes a París en 1912 también lo expusieron al fermento del cubismo y los ejemplos pioneros de «pintura pura», un término temprano para el arte abstracto. El uso de colores llamativos por Robert Delaunay y Maurice de Vlaminck también lo inspiró. En lugar de copiar a estos artistas, Klee comenzó a desarrollar sus propios experimentos de color en acuarelas pálidas e hizo algunos paisajes primitivos, como In the Quarry (1913) y Houses near the Gravel Pit (1913), utilizando bloques de color con una superposición limitada. Klee reconoció que «me espera una larga lucha en este campo de color» para alcanzar su «objetivo noble y distante». Pronto, descubrió «el estilo que conecta el dibujo y el reino del color».
Viaje a Túnez, 1914
El avance artístico de Klee llegó en 1914 cuando visitó Túnez brevemente con August Macke y Louis Moilliet y quedó impresionado por la calidad de la luz allí. Escribió: «El color se ha apoderado de mí; ya no tengo que perseguirlo, sé que me ha agarrado para siempre … El color y yo somos uno. Soy un pintor». Con esa realización, la fidelidad a la naturaleza se desvaneció en importancia. En cambio, Klee comenzó a profundizar en el «romanticismo fresco de la abstracción». Al ganar un segundo vocabulario artístico, Klee agregó color a sus habilidades como dibujante, y en muchas obras las combinó con éxito, como lo hizo en una serie que llamó «pinturas operísticas». Uno de los ejemplos más literales de esta nueva síntesis es El Don Giovanni bávaro (1919).
Después de regresar a casa, Klee pintó su primer abstracto puro, In the Style of Kairouan (1914), compuesto de rectángulos de colores y algunos círculos. El rectángulo de color se convirtió en su bloque de construcción básico, lo que algunos estudiosos asocian con una nota musical, que Klee combinó con otros bloques de colores para crear una armonía de color análoga a una composición musical. Su selección de una paleta de colores en particular emula una tecla musical. A veces usa pares complementarios de colores, y otras veces colores «disonantes», lo que refleja nuevamente su conexión con la musicalidad.
Carrera militar
Pocas semanas después, comenzó la Primera Guerra Mundial. Al principio, Klee se sintió un tanto desapegado de él, como escribió irónicamente: «Durante mucho tiempo he tenido esta guerra en mí. Por eso, por dentro, no es de mi incumbencia». Klee fue reclutado como Landsturmsoldat (soldado de las fuerzas de reserva en Prusia o en la Alemania imperial) el 5 de marzo de 1916. Las muertes de sus amigos August Macke y Franz Marc en batalla comenzaron a afectarlo. Desahogando su angustia, creó varias litografías de pluma y tinta sobre temas de guerra, incluyendo Death for the Idea (Muerte por la idea) (1915). Después de terminar el curso de entrenamiento militar, que comenzó el 11 de marzo de 1916, fue cometido como un soldado detrás del frente. Klee se mudó el 20 de agosto a la compañía de mantenimiento de aeronaves en Oberschleissheim, ejecutando un trabajo manual especializado, como restaurar el camuflaje de la aeronave, y acompañando los transportes de aeronaves. El 17 de enero de 1917, fue trasladado a la escuela de vuelo Royal Bavarian en Gersthofen (que 54 años más tarde se convirtió en USASA Field Station Augsburg) para trabajar como empleado del tesorero hasta el final de la guerra. Esto le permitió quedarse en una pequeña habitación fuera del barracón y continuar pintando.
Continuó pintando durante toda la guerra y logró exhibir en varios espectáculos. Para 1917, el trabajo de Klee se estaba vendiendo bien y los críticos de arte lo aclamaron como el mejor de los nuevos artistas alemanes. Su Ab ovo (1917) es particularmente notable por su sofisticada técnica. Emplea acuarela sobre gasa y papel con un fondo de tiza, que produce una rica textura de patrones triangulares, circulares y de media luna. Demostrando su rango de exploración, mezclando color y línea, su Warning of the Ships (1918) es un dibujo coloreado lleno de imágenes simbólicas en un campo de color suprimido.
Carrera madura
En 1919, Klee solicitó un puesto de profesor en la Academia de Arte de Stuttgart. Este intento fracasó, pero tuvo un gran éxito en la obtención de un contrato de tres años (con un ingreso anual mínimo) con el distribuidor Hans Goltz, cuya influyente galería le dio a Klee una gran exposición, y algo de éxito comercial. Una retrospectiva de más de 300 obras en 1920 también fue notable.
Klee enseñó en la Bauhaus desde enero de 1921 hasta abril de 1931. Fue maestro de «Form» en los talleres de encuadernación, vidrieras y pintura mural, y contó con dos estudios. En 1922, Kandinsky se unió al personal y reanudó su amistad con Klee. Más tarde, ese mismo año, se celebró la primera exposición y festival Bauhaus, para el cual Klee creó varios de los materiales publicitarios. Klee agradeció que hubiera muchas teorías y opiniones en conflicto dentro de la Bauhaus: «También apruebo que estas fuerzas compitan entre sí si el resultado es un logro».
Klee también fue miembro de Die Blaue Vier (The Blue Four), con Kandinsky, Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky; formados en 1923, dieron conferencias y expusieron juntos en los Estados Unidos en 1925. Ese mismo año, Klee tuvo sus primeras exposiciones en París, y se convirtió en un éxito con los surrealistas franceses. Klee visitó Egipto en 1928, lo que le impresionó menos que Túnez. En 1929, se publicó la primera monografía importante sobre la obra de Klee, escrita por Will Grohmann.
Klee también enseñó en la Academia de Düsseldorf de 1931 a 1933, y fue seleccionado por un periódico nazi: «Entonces, ese gran compañero Klee aparece en escena, ya famoso como profesor de Bauhaus en Dessau. Él le dice a todos que es un árabe de pura sangre, pero Es un típico judío gallego «. Su casa fue registrada por la Gestapo y fue despedido de su trabajo. Su autorretrato Struck from the List (1933) conmemora la triste ocasión. En 1933-4, Klee tuvo shows en Londres y París, y finalmente conoció a Pablo Picasso, a quien admiraba mucho. La familia Klee emigró a Suiza a fines de 1933.
Klee estaba en la cima de su producción creativa. Su Ad Parnassum (1932) es considerado su obra maestra y el mejor ejemplo de su estilo puntillista; También es una de sus pinturas más grandes, más finamente trabajadas. Produjo casi 500 obras en 1933 durante su último año en Alemania. Sin embargo, en 1933, Klee comenzó a experimentar los síntomas de lo que se diagnosticó como esclerodermia después de su muerte. La progresión de su enfermedad mortal, que dificultó mucho la deglución, se puede seguir a través del arte que creó en sus últimos años. Su salida en 1936 fue de tan solo 25 imágenes. En la década de 1930, su salud se recuperó un poco y se sintió alentado por una visita de Kandinsky y Picasso. Los diseños más simples y grandes de Klee le permitieron mantener su producción en sus últimos años, y en 1939 creó más de 1,200 trabajos, un récord de carrera por un año. Usó líneas más pesadas y principalmente formas geométricas con menos bloques de color, pero más grandes. Sus variadas paletas de colores, algunas con colores brillantes y otras sobrias, tal vez reflejaban sus sentimientos alternativos de optimismo y pesimismo. De vuelta en Alemania en 1937, diecisiete de las fotografías de Klee se incluyeron en una exposición de «Arte degenerado» y 102 de sus obras en colecciones públicas fueron incautadas por los nazis.
Muerte
Klee sufrió una enfermedad de desgaste, la esclerodermia, hacia el final de su vida, un dolor persistente que parece reflejarse en sus últimas obras de arte. Una de sus últimas pinturas, Death and Fire, presenta un cráneo en el centro con la palabra alemana para muerte, «Tod», que aparece en la cara. Murió en Muralto, Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940 sin haber obtenido la ciudadanía suiza, a pesar de su nacimiento en ese país. Su trabajo de arte fue considerado demasiado revolucionario, incluso degenerado, por las autoridades suizas, pero finalmente aceptaron su solicitud seis días después de su muerte. Su legado abarca alrededor de 9.000 obras de arte. Las palabras en su lápida, el credo de Klee, colocadas allí por su hijo Félix, dicen: «No puedo ser atrapado aquí y ahora, porque mi morada está tan entre los muertos, como el que aún no ha nacido, un poco más cerca del corazón de la creación de lo habitual, pero todavía no lo suficientemente cerca «. Fue enterrado en Schosshaldenfriedhof, Berna, Suiza.
Estilo y métodos
Klee ha sido asociado de diversas maneras con el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el surrealismo y la abstracción, pero sus cuadros son difíciles de clasificar. En general, trabajó aislado de sus compañeros e interpretó las nuevas tendencias artísticas a su manera. Fue inventivo en sus métodos y técnica. Klee trabajó en muchos medios diferentes: pintura al óleo, acuarela, tinta, pastel, aguafuerte y otros. A menudo los combinaba en una sola obra. Usó lienzo, arpillera, muselina, lino, gasa, cartón, láminas de metal, tela, papel tapiz y papel de periódico. Klee empleó pintura en aerosol, aplicación con cuchillo, estampado, esmaltado y empaste, y medios mixtos como óleo con acuarela, acuarela con pluma y tinta china, y óleo con temple.
Era dibujante natural y, a través de una larga experimentación, desarrolló un dominio del color y la tonalidad. Muchas de sus obras combinan estas habilidades. Utiliza una gran variedad de paletas de colores desde casi monocromáticas hasta altamente policromáticas. Sus obras a menudo tienen una calidad infantil frágil y suelen ser en pequeña escala. A menudo usaba formas geométricas y composiciones en formato de cuadrícula, así como letras y números, a menudo combinados con figuras lúdicas de animales y personas. Algunas obras fueron completamente abstractas. Muchas de sus obras y sus títulos reflejan su humor seco y diferentes estados de ánimo; Algunos expresan convicciones políticas. Con frecuencia aluden a la poesía, la música y los sueños y, a veces, incluyen palabras o notación musical. Las obras posteriores se distinguen por símbolos parecidos a jeroglíficos. Rainer Maria Rilke escribió sobre Klee en 1921: «Incluso si no me hubieras dicho que toca el violín, habría adivinado que en muchas ocasiones sus dibujos eran transcripciones de música».
Pamela Kort observó: «Los dibujos de Klee en 1933 presentan a su espectador una oportunidad sin igual para vislumbrar un aspecto central de su estética que ha sido muy poco apreciado: su preocupación de por vida por las posibilidades de parodia e ingenio. Aquí radica su verdadero significado, particularmente para una audiencia. Sin darse cuenta de que el arte de Klee tiene dimensiones políticas «.
Entre las pocas obras plásticas se encuentran marionetas hechas entre 1916 y 1925, para su hijo Félix. El artista no los cuenta como un componente de su obra, ni los enumera en su catálogo razonado. Treinta de los títeres conservados se almacenan en el Zentrum Paul Klee, Berna.
Trabajos
Obras tempranas
Algunos de los primeros dibujos infantiles conservados de Klee, que su abuela alentaba, estaban listados en su catálogo razonado. Un total de 19 grabados fueron producidos durante los años de Berna; Diez de estos se realizaron entre 1903 y 1905 en el ciclo «Inventionen» (Inventions), que se presentaron en junio de 1906 en la «Internationale Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens ‘Secession» (Exposición Internacional de Arte de la Asociación de Artes Gráficas. Munich, Secesión), su primera aparición como pintor en público. Klee había eliminado la tercera Invención, Pessimistische Allegorie des Gebirges (Alegoría Pesimista de la Montaña), en febrero de 1906 de su ciclo. Los grabados satíricos, por ejemplo Jungfrau im Baum / Jungfrau (träumend) (Virgen en el árbol / Virgin (soñando)) de 1903 y Greiser Phoenix (Aged Phoenix) de 1905, fueron clasificados por Klee como «puestos avanzados surrealistas». Jungfrau im Baum se relaciona con el motivo Le cattive madri (1894) de Giovanni Segantini. La imagen fue influenciada por grotescas poesías líricas de Alfred Jarry, Max Jacob y Christian Morgenstern. Presenta un pesimismo cultural, que se puede encontrar a finales del siglo XX en obras de simbolistas. La invención n. 6, el grabado de 1903 Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend (Dos hombres, que suponen estar en posición principal), representa a dos hombres desnudos, probablemente el emperador Guillermo II y Francisco José I de Austria, reconocibles por su peinado y barba. Como sus ropas e insignias fueron despojadas, «ambos no tienen ni idea de si su saludo convencional está en orden o no. Como suponen que su contraparte podría haber sido mejor calificado», se inclinan y raspan.
Klee comenzó a introducir una nueva técnica en 1905: rascarse en un panel de vidrio ennegrecido con una aguja. De esa manera, creó cerca de 57 cuadros de Verre églomisé, entre ellos el Gartenszene (Escena en un jardín) de 1905 y el Porträt des Vaters (Retrato de un padre) de 1906, con el que trató de combinar pintura y rayado. El trabajo inicial solitario de Klee terminó en 1911, año en que conoció y se inspiró en el artista gráfico Alfred Kubin, y se asoció con los artistas de Blaue Reiter.
Período místico-abstracto, 1914-1919.
Föhn im Marc’schen Garten (Foehn en Marc’s Garden) se realizó después del viaje a Turín. Indica las relaciones entre el color y el estímulo de Macke y Delaunay. Aunque los elementos del jardín son claramente visibles, es notable una dirección adicional hacia la abstracción. En su diario Klee escribió la siguiente nota en ese momento:
En el hoyo de moldura grande hay ruinas, donde uno cuelga parcialmente. Proporcionan el material para la abstracción. Lo terrible del mundo, lo abstracto el arte, mientras que un mundo feliz produce arte secularista.
Bajo la impresión de su servicio militar, creó la pintura Trauerblumen (Velvetbells) en 1917, que, con sus signos gráficos, formas vegetales y fantásticas, es un precursor de sus trabajos futuros, combinando armónicamente el gráfico, el color y el objeto. Por primera vez, aparecen aves en las imágenes, como en Blumenmythos (Mito de las flores) de 1918, reflejando los planos de vuelo y caída que vio en Gersthofen, y el avión fotografiado se estrella.
En la pintura de acuarela de 1918 Einst dem Grau der Nacht enttaucht, un poema implementado de composición, posiblemente escrito por Klee, incorporó letras en pequeños cuadrados en términos de color, cortando el primer verso del segundo con papel plateado. En la parte superior del cartón, que lleva la imagen, los versos están inscritos en forma manuscrita. Aquí, Klee no se apoyó en los colores de Delaunay, sino en los de Marc, aunque el contenido de la imagen de ambos pintores no se corresponde entre sí. Herwarth Walden, el vendedor de arte de Klee, vio en ellos un «Wachablösung» (cambio de guardia) de su arte. Desde 1919 solía usar óleos, con los que combinaba acuarelas y lápices de colores. La Villa R (Kunstmuseum Basel) desde 1919 une realidades visibles como el sol, la luna, las montañas, los árboles y las arquitecturas, así como promesas surrealistas y lecturas de sentimientos. Durante su viaje educativo de doce días a Túnez en abril de 1914, Klee produjo con Macke y Las pinturas de acuarela de Moilliet, que implementan los fuertes estímulos de luz y color del campo del norte de África a la manera de los conceptos de formas cubistas de Paul Cézanne y Robert Delaunays. El objetivo no era imitar a la naturaleza, sino crear composiciones análogas al principio formativo de la naturaleza, como en las obras In den Häusern von Saint-Germain (En las casas de Saint-Germain) y Straßencafé (Streetcafé). Klee transmitió el escenario en una cuadrícula, para que se disuelva en una armonía de colores. También creó obras abstractas en ese período, como Abstract y Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden (Círculos de colores atados a través de cintas entintadas). Nunca abandonó el objeto; Nunca se produjo una segregación permanente. Llevó más de diez años que Klee trabajó en experimentos y análisis del color, lo que resultó en un trabajo artificial independiente, por el cual sus ideas de diseño se basaban en el colorido mundo oriental.
Obras en el periodo Bauhaus y en Düsseldorf.
Sus obras durante este tiempo incluyen Camel (en un paisaje rítmico con árboles), así como otras pinturas con elementos gráficos abstractos, como el betroffener Ort (Lugar afectado) (1922). A partir de ese período creó Die Zwitscher-Maschine (La máquina de Twitter), que más tarde fue retirado de la Galería Nacional. Después de ser nombrado difamatorio en la exposición de Múnich «Entartete Kunst», la pintura fue comprada más tarde por la Galería Buchholz, Nueva York, y luego transferida en 1939 al Museo de Arte Moderno. El «gorjeo» en el título se refiere a los pájaros de pico abierto, mientras que la «máquina» se ilustra con la manivela.
La pintura en acuarela aparece a primera vista infantil, pero permite más interpretaciones. La imagen puede interpretarse como una crítica de Klee, quien muestra a través de la desnaturalización de las aves, que la tecnización mundial roba la autodeterminación de las criaturas.
Otros ejemplos de ese período son der Goldfisch (The Goldfish) de 1925, Katze und Vogel (Cat and Bird), de 1928, y Hauptweg und Nebenwege (Main Road and Byways) de 1929. A través de variaciones del fondo del lienzo y su pintura combinada. Técnicas Klee creó nuevos efectos de color e impresiones de imágenes.
En 1931, Klee se trasladó a Düsseldorf para enseñar en la Akademie; Los nazis cerraron la Bauhaus poco después. Durante este tiempo, Klee ilustró una serie de ángeles guardianes. Entre estas figuraciones está «In Engelshut» (Al cuidado del ángel). Su técnica de superposición evidencia el carácter polifónico de su método de dibujo entre 1920 y 1932.
La pintura de 1932 Ad Parnassum también se creó en el período de Düsseldorf. 100 cm × 126 cm (39 pulgadas × 50 pulgadas) Esta es una de sus pinturas más grandes, ya que generalmente trabajaba con formatos pequeños. En este trabajo tipo mosaico en el estilo del puntillismo, combinó diferentes técnicas y principios de composición. Influido por su viaje a Egipto de 1928 a 1929, Klee construyó un campo de color a partir de puntos estampados individualmente, rodeado de líneas estampadas de manera similar, lo que resulta en una pirámide. Sobre el techo del «Parnassus» hay un sol. El título identifica la imagen como el hogar de Apolo y las Musas. Durante sus viajes de 1929 por Egipto, Klee desarrolló un sentido de conexión con la tierra, descrito por el historiador del arte Olivier Berggruen como un sentimiento místico: «En el desierto, los rayos intensos del sol parecían envolver a todos los seres vivos, y por la noche, el movimiento Las estrellas se sintieron aún más palpables. En la arquitectura de los antiguos momentos funerarios, Klee descubrió el sentido de la proporción y la medida en que los seres humanos parecían establecer una relación convincente con la inmensidad del paisaje; además, se sintió atraído por la numerología esotérica. que gobernaba la forma en que se habían construido estos monumentos «. En 1933, su último año en Alemania, creó una serie de pinturas y dibujos; El catálogo razonado comprendía 482 obras. El autorretrato del mismo año, con el título programático von der Liste gestrichen (eliminado de la lista), proporciona información sobre su sentimiento después de perder su cátedra. El retrato abstracto fue pintado en colores oscuros y muestra ojos cerrados y labios comprimidos, mientras que en la parte posterior de su cabeza hay una gran «X», que simboliza que su arte ya no se valoraba en Alemania.
Últimos trabajos en Suiza
En este período Klee trabajó principalmente en imágenes de gran tamaño. Después del inicio de la enfermedad, hubo aproximadamente 25 trabajos en el catálogo de 1936, pero su productividad aumentó en 1937 a 264 fotografías, de 1938 a 489, y 1939, su año más productivo, a 1254. Trataron temas ambivalentes, expresando su personalidad personal. El destino, la situación política y su broma. Algunos ejemplos son la pintura de acuarela Musiker (músico), una cara de hombre con boca seria y parcialmente sonriente; y la Revolution des Viadukts (Revolución del Viadukt), un arte antifascista. En Viadukt (1937), los arcos del puente se separan del banco, ya que se niegan a unirse a una cadena y, por lo tanto, se están amotinando. Desde 1938, Klee trabajó más intensamente con elementos parecidos a los jeroglíficos. La pintura Insula dulcamara del mismo año, que es una de las más grandes (88 cm × 176 cm (35 in × 69 in)), muestra una cara blanca en medio de los elementos, que simboliza la muerte con sus cuencas oculares con círculos negros. . La amargura y el dolor no son raros en muchas de sus obras durante este tiempo.
Klee creó en 1940 una imagen que difiere mucho de las obras anteriores, dejándola sin firmar en el andamio. El bodegón relativamente realista, Ohne Titel, más tarde llamado Der Todesengel (Ángel de la muerte), muestra flores, una maceta verde, una escultura y un ángel. La luna sobre fondo negro está separada de estos grupos. Durante su 60 cumpleaños, Klee fue fotografiada frente a esta foto.
