¿Cuál es el origen y la historia de la música coral? Información sobre definición, música coral en época renacentista, barroca y época clásica y romántica.
MÚSICA CORAL, es música para un grupo de cantantes que se dividen en varias secciones según el rango de voz, cada sección cantando una línea de la partitura vocal. Los rangos de voz convencionales son soprano y alto (voces femeninas altas y bajas) y tenor y bajo (voces masculinas altas y bajas). Algunas obras corales requieren acompañamiento instrumental; otros están escritos para ser cantados a capella. Aunque parte de la música coral está escrita solo para voces femeninas o masculinas, la mayoría de las obras corales requieren un coro mixto o coro (del griego choros, un grupo de cantores), que combina las cuatro partes. El canto de cada línea vocal por muchas voces unificadas distingue la música coral de la música de conjunto vocal”, en la que solo una persona canta cada línea vocal.
La música coral se ha escrito en todos los períodos desde el siglo XV, en casi todos los países del mundo occidental y por casi todos los compositores importantes. Casi siempre estuvo estrechamente relacionado con la iglesia hasta el siglo XIX, cuando el crecimiento de las sociedades de canto creó una nueva demanda de obras corales seculares. Hoy en día, además de los coros de las iglesias, existen sociedades corales de aficionados y coros profesionales más pequeños. Estos grupos heredan de siglos pasados una enorme biblioteca de música coral, mucha de ella aún sin explorar; y los compositores contemporáneos aumentan constantemente este stock. Es esencial que los intérpretes y los oyentes entiendan los diversos estilos y propósitos de esta música tal como se ha desarrollado en la cultura occidental.
Ya en el siglo IV, cuando el canto llano (más tarde llamado canto gregoriano) era la única música de la iglesia cristiana, los grupos de cantantes (scholae) comenzaron a formarse como coros para cantar los cánticos que eran demasiado difíciles para la congregación. Se establecieron escuelas corales (scholae cantorum) en grandes iglesias y monasterios.
Los compositores del siglo IX desarrollaron una forma de música polifónica llamada organum, que añadía una línea vocal siguiendo el canto llano en quintas o cuartas paralelas. El organum se complejizó gradualmente, incorporando voces solistas que añadían floridas contramelodías al canto al unísono cantado por el coro. Esta tendencia culminó con dos compositores de la escuela de Notre Dame en París: Léonin (finales del siglo XII) y Pérotin (finales del siglo XII y principios del XIII), lo que finalmente condujo a los motetes de Philippe de Vitry (1291-1361) y Guillaume de Machaut. (c. 1300-c. 1377). La Misa de Notre Dame de Machaut (1364) es el primer escenario conocido del Ordinario de la Misa de un solo compositor. La mayor parte de esta música polifónica, como la música secular medieval (chanson francesa y caccia italiana), estaba destinada a una voz en cada parte, generalmente complementada con instrumentos.
RENACIMIENTO
El siglo XV.
A principios del siglo XV, los estilos musicales circulaban entre Francia e Inglaterra, con catedrales, iglesias, colegios y capillas reales compitiendo entre sí en la excelencia de su música. El resultado fue el desarrollo de una verdadera música coral, con dos o más cantantes para cada parte. Los compositores más famosos fueron Gilles Binchois (c. 1400-1460) y Guillaume Dufay (c. 1400-1474) de la escuela de Borgoña, y Lionel Power (fallecido en 1445) y John Dunstable (fallecido en 1453) de la escuela inglesa. Dunstable y Power compusieron las primeras misas musicalmente unificadas, con los diversos movimientos construidos sobre una melodía de canto llano (cantus firmus). También en este momento el villancico inglés se convirtió en una forma polifónica, con versos para solistas y estribillo (carga) para coro.
A fines del siglo XV apareció un grupo de compositores ingleses, incluidos John Browne, Walter Lambe, Richard Davy y Robert Wilkinson, cuyas obras corales, en su mayoría antífonas y Magnificats, se encuentran en el libro de coro de Eton College. Sus composiciones, amplias, polifónicas y técnicamente exigentes, emplean un estilo nórdico y una gran riqueza de detalles en las partes vocales. Estas obras marcan un auge temprano en la música coral.
Los principales compositores de la escuela flamenca del siglo XV fueron Jean d’Okeghem (c. 1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505) y Josquin Després (c. 1450-1521). Las 24 misas y aproximadamente 100 motetes de Josquin muestran una escritura a cuatro voces de maravillosa claridad, equilibrio y expresividad.
El siglo XVI.
Debido a que la Iglesia Católica era el principal mecenas de las artes, las formas corales más comunes del siglo XVI fueron la misa (una forma establecida de cinco movimientos para los textos invariables del Ordinario: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus). Dei) y el motete, una obra más breve con palabras de la Escritura o de la liturgia. Los coros generalmente estaban compuestos por menos de 20 voces masculinas. (Las mujeres no estaban permitidas en los coros de las iglesias hasta el siglo XVIII). El sonido coral no era masivo; en cambio, enfatizó la claridad y el equilibrio. Los coros proporcionaron música diariamente para la celebración de la Misa y para las ocho horas canónicas.
Los compositores ingleses de principios del siglo XVI incluyeron a John Taverner (c. 1495-1545), John Redford (fallecido en 1547), Robert Fayrfax (1464-1521), William Cornyshe (c. 1465-1523) y Christopher Tye (c. 1500). -c. 1573). Todos estos hombres escribieron gran número de misas y motetes.
El liderazgo musical en la segunda mitad del siglo XVI perteneció a Italia, donde un romano, Giovanni Palestrina (c. 1525-1594), fue el compositor más importante. Sus obras son los modelos supremos del estilo litúrgico ideal: música sobria y equilibrada, que combina magistralmente la bella melodía, la armonía y el ritmo. Palestrina compuso 105 misas y unos 500 motetes; la Missa Papae Marcelli (alrededor de 1560) para seis voces es su obra más famosa.
Venecia fue la siguiente en importancia después de Roma como centro musical. La escuela de música veneciana comenzó con Adrian Willaert (c. 1490-1562), quien desarrolló una forma de partitura antifonal que fue especialmente efectiva en la Basílica de San Marcos y se convirtió en una especialidad veneciana. Esta forma fue desarrollada aún más por Andrea Gabrieli (c. 1520-1586) y llevada a su culminación por Giovanni Gabrieli (c. 1554-1612), cuyos magníficos motetes incluyen el In ecclesiis. El joven Gabrieli complementó sus arreglos policorales con partes instrumentales independientes, proporcionando una gran variedad de colorido musical.
Los compositores ingleses de finales del siglo XVI se enfrentaron a la tarea especial de escribir música con textos en inglés para la nueva liturgia de la Iglesia Anglicana. Thomas Tallis (c. 1505-1585) escribió motetes en un estilo acorde simple. En 1550, John Marbeck (c. 1510-c. 1585) proporcionó música para el Libro de Oración Común en un estilo de una nota por sílaba. El motete fue reemplazado gradualmente en los servicios anglicanos por el himno, que fue desarrollado por Thomas Morley (1557-1602) y Orlando Gibbons (1583-1625). Aunque Gibbons estuvo activo hasta bien entrado el siglo XVII, su música generalmente sigue el estilo del siglo XVI.
Lo mismo ocurre con el versátil William Byrd (c. 1543-1623), quizás el más grande de todos los compositores ingleses, que escribió servicios e himnos para la Iglesia de Inglaterra, música de la Iglesia Católica y muchas obras seculares e instrumentales. El Gran Servicio de Byrd y sus tres misas (para tres, cuatro y cinco voces respectivamente) se encuentran entre los clásicos de la época. Sus motetes en latín, incluido el Ave verum corpus, muestran su genio para la escritura audaz y emotiva.
Las formas más populares de la música secular del Renacimiento fueron la chanson y el madrigal, música de conjunto compuesta para un cantante por parte. El compositor más importante de la chanson francesa fue Claude Le Jeune (1528-c. 1600). Los isabelinos, especialmente Morley, Gibbons y Byrd, escribieron muchos madrigales para la interpretación de cámara de pequeños conjuntos vocales. En Italia, el madrigal, que generalmente usaba poesía romántica para sus textos, fue refinado a principios del siglo XVI por Philippe Verdelot (fallecido alrededor de 1550), Costanzo Festa (1490-1545) y Jakob Arcadelt (c. 1505-c. 1567) . Los mayores maestros del madrigal italiano fueron Cipriano de Rore (1516-1565), quien también escribió muchos motetes; Philippe de Monte (1521-1603), que escribió 1.200 madrigales; Luca Marenzio (c. 1553-1599), cuyos 17 libros de madrigales muestran un uso magistral de la pintura de palabras; y Carlo Gesualdo (c. 1560-1613),
La música coral renacentista alcanzó su punto más alto en la obra del compositor flamenco Roland de Lassus (c. 1532-1594). Lassus, maestro del madrigal italiano y la chanson francesa, también compuso 53 misas existentes y unos 500 motetes. En sus obras fusionó elementos del norte y sur de Europa, así como las influencias religiosas y seculares de su tiempo, integrando todo el mundo musical del Renacimiento. Entre sus incomparables motetes se encuentran los Salmos penitenciales, publicados póstumamente en 1604.
El siglo XVI marca un gran clímax en el desarrollo de la música coral, con cada línea de voz independiente e importante para el efecto total. Los instrumentos se usaban generalmente con las voces, complementando el sonido vocal y tocando partes independientes.
ÉPOCA BARROCA
El siglo XVII.
La música coral como forma dominante de composición fue reemplazada al comienzo de este período por la ópera y la música instrumental. La escritura de motetes y misas a la antigua continuó, pero el nuevo estilo de ópera impregnó y transformó la música sacra como lo hizo con la música teatral. Aun así, los músicos del período barroco consideraban el antiguo estilo polifónico como específicamente “sagrado” y lo distinguían conscientemente del nuevo estilo teatral homofónico.
Claudio Monteverdi (1567-1643), cuya carrera abarcó el final del Renacimiento y el comienzo del barroco, combinó el estilo polifónico austero con todas las nuevas técnicas del siglo XVII. Su música moderna, imaginativa y expresiva incluye misas polifónicas, magníficas composiciones de salmos, muchos libros de madrigales solistas y las Vísperas (1610), quizás su obra más importante.
Giacomo Carissimi (1605-1674) utilizó por primera vez el coro como un elemento importante del oratorio, una forma desarrollada a principios del siglo XVII. Carissimi empleó el coro de manera dramática, especialmente en sus oratorios Jefté y Jonás. Su escritura coral magistral sirvió como modelo para Handel y otros compositores.
Heinrich Schütz (1585-1672), el mayor compositor eclesiástico alemán protestante del siglo XVII, combinó los estilos italiano y alemán en su primer libro de madrigales y su ópera Daphne (1627), así como en la voluminosa música sacra a la que dedicó la el resto de su vida. Gran originalidad distingue sus Salmos de David (1619), escritos en estilo veneciano para voces e instrumentos; la Historia de la Resurrección (1623); y las Siete Últimas Palabras (alrededor de 1645). En 1666, al final de su carrera, Schütz compuso tres escenarios de la Pasión, de los Evangelios de San Lucas, San Mateo y San Juan, en el estilo sin acompañamiento de los primeros compositores luteranos, en su mayoría recitativos solistas con vívidos y dramáticos coros Para la mayoría de los demás compositores alemanes de este período, el coral era el punto central de la música de iglesia protestante.
El más grande de los alemanes del norte fue el danés Dietrich Buxtehude (1637-1707), organista de la iglesia de Santa María en Lübeck desde 1668 hasta su muerte. Las composiciones a gran escala de Buxtehude, que muestran su dominio de los lenguajes seculares y sagrados, se interpretaron en su Abend-musiken, una serie de conciertos de Adviento que atrajo a Lübeck a compositores como Handel y JS Bach. Las obras características de Buxtehude incluyen su Missa Brevis en estilo polifónico, el Benedicam Dominum en estilo veneciano e In dulci jubilo, una de sus 124 cantatas supervivientes.
En Francia, Jean Baptiste Lully (1632-1687) y André Campra (1660-1744), principalmente escritores de ópera, compusieron motetes que en realidad son cantatas para solistas, coro y orquesta. Marc Antoine Charpentier (1634-1704), alumno de Carissimi, introdujo la forma de oratorio en Francia en obras como su Judicium Salomonis, con su uso dramático del coro. François Couperin (1668-1733) escribió motetes acompañados que son joyas de delicadeza, dulzura y elegancia. Michel Richard de Lalande (1657-1726), el músico eclesiástico francés más distinguido de su época, continuó la tradición de Lully con sus 42 motetes, incluido el Dixit Dominus. El estilo emocionante y brillante de Lalande anticipa a Handel.
La música inglesa después de la Restauración (1660) estuvo dominada por Pelham Humphrey (1647-1674), John Blow (1648-1708) y Henry Purcell (1659-1695). Estos compositores, escribiendo para coros catedralicios de hombres y niños, desarrollaron el himno “completo” (totalmente para coro sin acompañamiento independiente) y el himno “en verso” (con secciones asignadas a voces solistas con acompañamiento independiente). Purcell, organista de la Abadía de Westminster desde 1679 hasta su muerte, fue un compositor versátil de óperas, música ceremonial, motetes latinos e himnos que van desde el profundo Hear My Prayer (alrededor de 1681) en ocho partes hasta el alegre Rejoice in the Lord Alway (alrededor de 1681). hacia 1683).
Bach y Haendel.
El siglo XVIII estuvo dominado por Bach y Handel, quienes fueron maestros de casi todas las formas musicales conocidas. Johann Sebastian Bach (1685-1750) se destacó en la música sacra, en la que incorporó todas las técnicas y estilos de la época barroca. Sus cantatas sagradas existentes suman alrededor de 200 (unas 100 más se han perdido), escritas para representaciones en los servicios dominicales luteranos en la iglesia de Santo Tomás, Leipzig, donde Bachfue cantor de 1723 a 1750. Incorporando arias, corales, recitativos, sinfonías orquestales y coros, las cantatas cubren una enorme variedad de técnicas y expresiones. Bach también escribió un Magnificat (1723), una Pasión según San Juan (1723), un Si. Matthew Passion (1729), la gran Misa en si menor, escrita a lo largo de varios años, y varios motetes, generalmente arreglados para doble coro. Las dos pasiones, con su combinación de lirismo y drama, trascienden los propósitos eclesiásticos para los que fueron escritas. El renacimiento de Mendelssohn de la Pasión según San Mateo en 1829 inició el culto a Bach que ha permeado el mundo musical.
George Frideric Handel (1685-1759), principalmente compositor de ópera, se formó en Alemania e Italia antes de establecerse en Inglaterra (1712), donde escribió una serie de obras ocasionales. Estos fueron himnos festivos para voces solistas, coro y orquesta: Utrecht Te Deum (1713), Chandos Anthems (1716-1718), Wedding Anthem (1736), Funeral Anthem for Queen Caroline (1737) y Dettingen Te Deum (1743). ).
De 1738 a 1752, Handel dedicó su gran talento operístico a la escritura de oratorios, con textos basados en la Biblia, destinados a su representación en el teatro durante la Cuaresma. Se trataba principalmente de obras de entretenimiento, no de música religiosa o litúrgica como tal. Su forma fue adoptada de la ópera, incorporando recitativos, arias, números concertados, interludios instrumentales y coros; el elemento distintivo fue la participación coral predominante. El Mesías (1742), Judas Macabeo (1747), Susanna (1749) y Teodora (1750) se basan en textos extraídos del Antiguo Testamento, el Nuevo Testamento y los apócrifos; los otros oratorios toman sus textos exclusivamente del Antiguo Testamento e incluyen a Saulo (1739), Sansón (1742), José (1744), Belsasar (1745) y Jefté (1752).
El Mesías, el oratorio universalmente popular de Haendel, difiere de sus otros oratorios en que es más pictórico y devocional que dramático. Se presentó por primera vez en Dublín en 1742, con unos 40 cantantes en el coro y una orquesta de tamaño similar. Cuando el Mesías se presentó más tarde en Londres, fue recibido con frialdad, ya que el tema se consideró demasiado religioso para el entretenimiento. Sin embargo, el Mesías sigue siendo una de las mejores composiciones de todos los tiempos, a pesar de los esfuerzos equivocados de músicos posteriores, incluido Mozart, para “mejorarla” con una orquestación enriquecida.
PERÍODOS CLÁSICO Y ROMÁNTICO
Haydn y Mozart.
Los dos grandes compositores de la segunda mitad del siglo XVIII, Haydn y Mozart, se interesaron predominantemente por la música instrumental; pero también escribieron mucha música coral, sobre todo para la Iglesia Católica. Esta música ahora se considera demasiado teatral y operística para los servicios de la iglesia y se interpreta solo en conciertos.
Franz Joseph Haydn (1732-1809) escribió 12 misas, de las cuales seis son obras tempranas y las otras seis obras maestras maduras. Las primeras misas son líricas y encantadoras, pero no particularmente personales. En las misas posteriores, menos convencionales, Haydn escribió en un estilo dramático, frecuentemente polifónico. La Paukenmesse (Misa de tambores; 1796), también llamada Misa en tiempo de guerra, recibió ese nombre por el uso extraordinario de trompetas y tímpanos en el “Agnus Dei”. La Misa de Nelson (1798), llamada así en honor a la victoria de Lord Nelson en la Batalla del Nilo, utiliza una curiosa orquestación sin instrumentos de viento; contiene mucha música coral fuerte. Theresienmesse (1799), Creation Mass (1801) y Harmony Mass (1802) son obras impresionantes con una mezcla de escritura solista y coral.
En 1791-1792 y nuevamente en 1794-1795, Haydn visitó Londres. Allí se inspiró en los oratorios de Haendel y, tras regresar a Viena, compuso La creación (1798), un oratorio dramático con una orquestación brillante, arias expresivas y espléndidos coros. Sus bellas imitaciones de la naturaleza la han convertido en la obra más popular de Haydn. The Seasons (1801), la otra obra coral a gran escala de Haydn y su última obra importante, tiene un texto secular dividido en cuatro secciones: primavera, verano, otoño e invierno. Su pintura de escena ingenua apunta a la escritura romántica de compositores posteriores.
La mayoría de las piezas de iglesia de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) son obras tempranas escritas en pequeña escala (generalmente para cuatro voces solistas, orquesta de cámara y coro). Las obras sagradas de Mozart incluyen 17 misas escritas en Salzburgo, entre ellas la gran Misa de la Coronación (1779). También escribió cuatro letanías, dos conjuntos de salmos de Vísperas y muchos motetes, incluido el espléndido Ave verum corpus (1791).
Mozart nunca completó sus dos misas mayores, la Misa en do menor (1782) y el Réquiem (1791). La Misa en do menor probablemente se completó con movimientos de otras misas de Mozart antes de su primera representación en Salzburgo. Sin embargo, las secciones completadas por Mozart son suficientes para una actuación no litúrgica. Mozart solo completó los dos primeros movimientos del Réquiem, aunque escribió aproximadamente la mitad del resto en partitura vocal. Este material fue orquestado por su amigo Franz Xaver Siissmayr, quien también compuso tres movimientos. El efecto total del Réquiem, con los dos primeros movimientos de Mozart repetidos al final, es conmovedor y hermoso, expresando conmovedoramente la contemplación de la muerte del compositor.
Beethoven y Schubert.
Los mejores compositores de música coral de principios del siglo XIX fueron Beethoven y Schubert. Ludwig van Beethoven (1770-1827), principalmente compositor de música orquestal y de cámara, también escribió considerable música coral. La Misa en C (1807), encargada para uso litúrgico, combina formas clásicas con efectos nuevos y dramáticos. Beethovendesarrolló sus profundas convicciones personales en sus varias cantatas, el oratorio Cristo en el Monte de los Olivos (1801) y la Fantasía coral (1808) para coro, piano y orquesta. La obra maestra de Beethoven, la Missa Solemnis (1823), logra una completa fusión de voces e instrumentos: no es una obra coral con acompañamiento instrumental, sino una obra en la que coro y orquesta son iguales. Esta técnica, que también utilizó Beethoven para el final de la Oda a la Alegría de su Novena Sinfonía (1824), da como resultado una obra de gran fuerza y expresividad. Inspiró a muchos compositores posteriores, que intentaron, con diversos grados de éxito, reproducirlo.
Al igual que Beethoven , Franz Schubert (1797-1828) une la tradición clásica del siglo XVIII con las características novedosas del romanticismo del siglo XIX. Schubert escribió mucha música coral, tanto secular como sagrada. Su misa en sol mayor (1815), compuesta cuando solo tenía 18 años, es ingeniosa y encantadora. En su madurez, Schubert escribió dos misas a gran escala, de las cuales la Misa en la bemol (1819-1822) es la más exitosa. Esta obra, rica en melodía y bella armonía, es su tratamiento más personal del texto sagrado.
Compositores románticos posteriores.
La música coral, que durante mucho tiempo había sido competencia de los coros de iglesias y catedrales, amplió su alcance en el siglo XIX con el crecimiento de las sociedades corales en Inglaterra, Europa continental y los Estados Unidos. Gran parte del mérito de este desarrollo pertenece a Felix Mendelssohn (1809-1847), el más popular de los compositores del siglo XIX. Aunque Mendelssohn fue pionero en la escritura de cantatas con textos profanos, sus dos grandes obras corales son oratorios sagrados. St. Paul (1836) es una obra excelente, pero carece del movimiento dramático de Elijah (1846), en el que Mendelssohn combinó maravillosamente la música y el drama.
Héctor Berlioz (1803-1869) se especializó en efectos musicales colosales y espectaculares que requerían grandes coros y una enorme orquesta. Su Misa de difuntos (1837), más conocida como Réquiem, y su Te Deum (1849) contienen una excelente y original música coral. Berlioz también escribió un oratorio, L’enfance du Christ (1854), que está lleno de un encanto suave, poético y pastoral.
El destacado compositor coral de finales del siglo XIX fue Johannes Brahms (1833-1897). En su Réquiem alemán (1868) Brahms fusionó el estilo lírico con el sinfónico. También compuso obras más cortas para coro y orquesta y varios motetes a cappella en una consciente imitación del estilo de Bach.
El Te Deum (1884) y la Misa en fa menor (1890) de Anton Bruckner (1824-1896) reflejan la colorida devoción de su catolicismo austriaco nativo. El Réquiem (1874) de Giuseppe Verdi (1813-1901) es una obra genial, una expresión personal más que eclesiástica. Aunque Antonin Dvorak (1841-1904) no fue principalmente un compositor coral, su Stabat Mater (1877), Réquiem (1890) y Te Deum (1892) están llenos de belleza lírica y expresión sincera. Gustav Mahler (1860-1911), en su Sinfonía de la Resurrección (1894) y las Sinfonías n.° 3 (1896) y n.° 8 (1907), fue el más exitoso de los muchos compositores que siguieron el ejemplo de Beethoven al introducir la música coral en su obras sinfónicas.
EL SIGLO VEINTE
Europa.
Varios compositores europeos, incluidos Arnold Schonberg (1874-1951), Igor Stravinsky, Paul Hindemith (1895-1963) y Bela Bartok (1881-1945), introdujeron métodos iconoclastas e ideas revolucionarias en la música coral, haciendo importantes adiciones a la repertorio. Debido a que muchas de sus obras eran experimentales, el público a menudo tardaba en aceptarlas.
Sin embargo, algunos europeos escribieron en un estilo conservador. Estos incluyeron a los compositores suizos Ernest Bloch (1880-1959), cuyo Servicio Sagrado (1930-1933) tiene un texto litúrgico judío, y Frank Martin, quien escribió varios oratorios sagrados.
Muchos de los compositores más destacados del siglo XX en el campo coral han sido ingleses. Las obras corales destacadas de Ralph Vaughan Williams (1872-1958) incluyen su Sea Symphony (c. 1905-1910), la Misa sin acompañamiento en 6 menor (1922) y el místico oratorio Sancta Civitas (1926). Gustav Hoist (1874-1934) compuso el Himno de Jesús (1917), la Primera Sinfonía Coral (1923-1924) y una Fantasía Coral (1930), así como varios himnos para coro. La obra coral más notable de William Walton es el oratorio Belsasar’s Feast (1929-1931). La diversidad es especialmente evidente en las obras de Benjamin Britten, que incluyen Ceremony of Carols (1942), la cantata Saint Nicholas (1948) y War Requiem (1962). Otros compositores corales británicos contemporáneos son Edmund Rubbra, Michael Tippett, Peter Racine Fricker, Anthony Milner y John Joubert.
Arthur Honegger (1892-1955) de Francia logró reconocimiento mundial con su oratorio dramático El rey David (1921), su ópera Judith (1926) y el oratorio Juana de Arco en la hoguera (1934-1935). Otros compositores franceses hicieron enormes contribuciones a la literatura coral moderna: Darius Milhaud, con sus más de 30 obras corales, Gabriel Faure (1845-1924), con su serenamente espiritual Misa de Réquiem (1887), y Francis Poulenc (1899-1963), con sus excelentes motetes, Misa sin acompañamiento (1937), Stabat Mater (1937) y Gloria (1959).
Las obras corales de compositores continentales frecuentemente expresan características nacionales a través del uso de canciones folklóricas. La Misa glagolítica (1926) de Leos Janacek (1854-1928) expresa su herencia eslava, y el Salmo húngaro (1923) de Zoltan Kodaly (1882-1967) tiene un sentimiento claramente nacional. La música coral soviética incluye cantatas con temas patrióticos, como Alexander Nevsky (1938) de Sergei Prokofiev (1891-1953).
Anton Webem (1883-1945), el compositor serial austriaco, escribió tres cantatas importantes. Un alemán, Carl Orff, compuso Carmina Burana (1936), una cantata con puesta en escena y danza opcionales, escrita de manera muy individual con especial énfasis en los efectos de percusión rítmica. De Italia llegaron notables composiciones corales de Luigi Dallapiccola y Goffredo Petrassi.
Estados Unidos.
En los Estados Unidos se desarrolló un gran interés por la música coral después de la Segunda Guerra Mundial. La música coral estadounidense cubre una enorme variedad de tipos y calidades, y aún no se puede juzgar el valor permanente de gran parte de ella. Charles Ives (1874-1954) fue uno de los compositores más atrevidos de principios del siglo XX. Su música coral prefiguró muchas técnicas desarrolladas más tarde, y su politonalidad sigue sorprendiendo al público. Importantes compositores corales contemporáneos incluyen a Virgil Thomson, Randall Thompson, Aaron Copland, William Schuman, Alan Hovhaness, Norman Dello Joio y Daniel Pinkham, quienes emplean estilos variados con diferentes acentos de canciones populares, jazz, técnica de 12 tonos y polifonía. La amplia gama de técnicas y expresiones que cubre su música la hace representativa del espíritu de su país.
